miércoles, 18 de septiembre de 2024

 Otra obra de Monasterio 2024

 

 

La vida de un maestro en algunas ocasiones es trazada o cruzada por la encrucijada que vive a través de su vida , en Monasterio podemos afirmar que “visto por él mismo” su vida es la suma de infortunios que va cruzando a través de varias décadas que sin embargo parase no ir de la mano con la grandeza legada con su obra!

Ejemplo y recién veo en una poco atinada afirmación  de una ponencia  titulada “IV foro Muralismo”  donde afirma la ponente que le Muralismo se acaba con la muerte de Orozco! Tal disparate en verdad refleja el grado de ignorancia tan grande como dicha afirmación .

 

Recordemos que Orozco no llega a la fundación del Salón de la Plástica Mexicana en 1948 , de ahí en adelante van a surgir obras monumentales extraordinarias inimaginables para Orozco y en este sentido quiero abundar en la grandeza de Luis Ortiz Monasterio , simplemente en los 40s y ya muerto Orozco logra plasmar de una manera única dos majestuosas obras monumentales : Monumento a la Madre y Fuente de Nezahualcóyotl , ambas obras paralelas entre si son completamente distintas mismas que podrían tratarlas dos artistas diferentes . Con el tiempo Monasterio nos va a legar muchas mas obras dentro de una constante evolución mimas que podemos consultar el libro de  publicado por Tely Duarte ya en el presente siglo y que se titula “ Luis Ortiz Monasterio - Del perfil nacionalista al concepto universal” sin embargo y debido a la distancia y des agrupamiento del legado del artista , aun hoy surgen obras icónicas que han sido incluidas ni descritas en ninguna exposición. 

Por mi parte como coleccionista y a manera de investigación constante y sumado con el tiempo como analista de obra del artista , no dejo de sorprenderme con nuevos hallazgos , y ese es el caso de la obra que sale a subasta en Morton este mes de septiembre , la obra habla por si misma y mas aun que se trata de una obra de 1974 , cuando Monasterio se encuentra en plena evolución de su obra abstracta que dígase de paso ; refugio de  escultores que lejos de alcanzar la maestría del relieve y talla directa se esconden en la abstracción” 



En este tenor y con testimonios de obras maestras por mi parte reconozco el legado dentro de la escuela mexicana de escultura a; Chávez Morado, Francisco Zúñiga , Carlos Merida, Fidias Elizondo, Federico Canessi , Asúnsolo, Federico Cantú y Luis Ortiz Monasterio.

 








Y regresando a Monasterio presento en este texto esta extraordinaria talla directa que bien habrá que abundar de quien realmente se trata y que inusualmente ostenta una base integrada de muy buen gusto.

 




Federico Cantú Gráfica en la Colección de Arte Cantú Y de Teresa

 Federico Cantú

 

Grabado al buril

Natividad 1952

 

Grabado al buril

Ángeles cariátides 

 

 


La natividad o nacimiento de Jesús se describe en los evangelios bíblicos de Mateo y Lucas. Los dos relatos coinciden en que Jesús nació en Belén de Judea, su madre María estaba desposada con un hombre llamado José, que descendía del rey David y no era su padre biológico, ya que su nacimiento fue causado por la intervención divina.

La natividad es la base de la festividad cristiana de Navidad el 25 de diciembre y juega un papel importante en el año litúrgico cristiano. Muchos cristianos exhiben tradicionalmente pequeñas escenas del pesebre que representan la natividad en sus hogares, o asisten a las obras de teatro de la Natividad o los concursos de Navidad que se enfocan en el ciclo de la natividad en la Biblia.



 

El arte sacro en la obra de Federico Cantú

 Es una constante , oleos, murales, acuarelas , proyectos monumentales y sobre todo grabados; Es a principios de los años 50s , cuando Cantú desarrolla una serie de placas grabadas al buril con temas bíblicos , generalmente con la idea de crear obras que reflejen el espíritu de la natividad , sin embargo la idea iconográfica y surgiendo de un paralelismo donde combina los ángeles músicos dedicando una abra al Mesias y donde Maria y José son representados en plena madurez y que no será el caso de la versión que presentamos. Un dato relevante es que estos trazos nos anuncian lo que a distancia se convertirá en el trazo de la Madona del IMSS .



 

En esta composición de imágenes mostramos del lado izquierdo la obra ya terminada 

Y en la doble composición central podemos observar el desarrollo de lo que se transformara en el trazo de buril , lo cual lo hace sumamente interesante ya que para ello y como análisis de la integración de firma y fecha , utiliza la técnica de dar en un paso de impresión en primer estado , un doble paso de tórculo para llegar al positivo y negativo y analizar lo que se convertirá en trazo final y su dupla que es la impresión inversa.

 

Bo

September 24

lunes, 2 de septiembre de 2024

  Obra y Restauro

Colección de Arte Cantú Y de Teresa

Subasta 806 Lote 68  finales del XIX

Impresionismo

Painter - FR Clevenot

Amsterdam

XIX

 


Los cuadros contemporáneos y las pinturas en general se componen de elementos básicos, como son color, tono, línea, forma, espacio, textura, así como composición, dirección, tamaño y tiempo. Cada artista los utiliza según su estilo y técnica.

 El lenguaje artístico es complejo y cambiante, pero obedece a una cierta lógica compositiva que, si se transgrede, puede provocar en el espectador una clara sensación de rechazo. Hablamos de lógica, no de reglas rígidas, ay que estas últimas, por su mala aplicación, han llevado a resultados francamente negativos. 

Seguramente para el publico de finales del siglo XIX el incorporar el concepto del impresionismo donde el color , la luz la textura y los elementos de cada obra chocaban con los conceptos establecidos en el romanticismo.

El artista pintor debía de conocer las reglas, aprenderlas y después olvidarlas. Sólo así conseguirá un lenguaje propio e individual -manera- que lo diferenciará de los demás artistas , este momento se dio en el impresionismo donde se rompían las reglas y los cánones del perfeccionismo alcanzado por Igres. Para fortuna de Francia surgiría la Escuela de  Barbizón que impactaría de tal forma que daría impulso a las innovadoras tendencias del siglo XX.

 





Hay que hacer notar que en el transcurso de la Historia del Arte, los gustos han cambiado o mas bien se ajustan a los cambios, los dogmatismos varían, la praxis pictórica se enriquece dando paso a nuevos enfrentamientos estéticos.

 







 

 

La madera ha sido, a lo largo de la Historia del Arte, uno de los soportes más utilizados, juntamente con la tela. La madera la encontramos ya en la antigua Roma y en el mundo egipcio, siendo sin embargo en el Medievo cuando más se utilizó en retablos, frontales, altares... El Renacimiento incorporó progresivamente el lienzo, que se consolidó a partir del siglo XVII, aunque Rembrandt y Rubens utilizaron a menudo el soporte de madera. Cennini se refiere a la tabla cuando dice que «ante todo debe estar hecha de esa madera que se llama álamo blanco -y debe ser la mejor o bien de tilo o de sauce». Aparte de las citadas por el tratadista, son empleadas las maderas de castaño, ciprés, abeto y caoba. Actualmente se emplean tablas contrachapadas consistentes en tres, cuatro o cinco chapas de maderas finas prensadas, encoladas y unidas por ambas caras. Muchas obras que utilizan el soporte de madera están pintadas en realidad sobre un lienzo unido de antemano a la tabla. Para Cennini éste era el método más idóneo, ya que recogía las ventajas de ambos métodos. 

La tela es el soporte más común en pintura. Las telas más empleadas son las de lino, cáñamo, mezcla de lino puro para pequeños y medios formatos, y el cáñamo para cuadros de mayor extensión. La superficie de la tela ha de recibir una imprimación o base sobre la que se aplicarán los materiales. 

Cuando nos encontramos con obras que debidamente no han sido tratadas ya sea por negligencias , desconocimiento o factores comunes como el polvo el clima la luz etc. Seguramente nos encontraremos con la reflexión de intervenirlas con una restauración 


Para evitar grietas y decoloraciones no deseadas, nunca ( o solo por períodos cortos ) exponga su obra de arte a la luz solar directa . También se controlará el entorno general alrededor de su lienzo: sus pinturas pueden acumular rápidamente una fina capa de polvo (ver más abajo) y contaminantes de todo tipo: partículas de humo de cigarrillo (coloración amarillenta) de aceites de cocina o manchas y excrementos de insectos . Evidentemente, es imposible excluir su colección de todos estos daños potenciales, pero colóquela allí de modo que tenga el menor contacto posible con estos generadores de suciedad : por lo tanto, evitamos trabajos demasiado costosos en la cocina o en las cercanías., Y en el sala de estar si es fumador. 

También es preferible evitar atmósferas demasiado brutales para la conservación de tus obras. De hecho, la humedad , el calor o el frío extremo pueden crear grietas y arrugas no deseadas en tus obras favoritas. 



Bo 


CYDT Collection